Nach dem Tanz in den Mai noch ein Abend des Emergenza Festivals
mit neuen, ungezeichneten Bands aus ganz Norddeutschland. Das sind
4 Stunden geballter Rock, Pop, Metal, Indie, Funk und Punk.
Als Bonbon am Samstag, 01.Mai unser letzter Tag des Emergenza Festivals.
Aftershow- Party mit open end ist selbstverständlich...
 

She is like a hurricane and has a voice like the best singers in the big days of Rock'n Roll. SAINT LU is refreshingly modern and brings passion back into music. While other contemporary singers rely on mainstream pop or pretentious phrasing alone SAINT LU offers a powerful and rough voice straight from her guts: Pure and real, outright and outspoken. Songs like Don't Miss Your Own Life and Love Song make the listener catch his breath and open his ears. Rock as rock can!
Her influences can easily be detected: Led Zeppelin, Big Mama Thornton, Janis Jopin, and Jimi Hendrix – whom LU rightly counts as one of the real great singers. "I am not really into vocal embellishments. They are like punctuation marks. For me it is important that the vocals narrate the story of the song – and Jimi was a master in that", says SAINT LU. Her songs are developed in a similarly original way – usually in jam sessions. She starts improvising over a guitar riff until the lyrics come naturally. “I just start singing and eventually the word fragments start making sense. There is always something rolling around in my subconscious.”
SAINT LU started singing when she was eight. She practiced singing since she was fourteen in front of an audience, which was her best vocal coach. She formed her first band as a teenager and traveled around playing her own songs. It always was rock music that attracted her instinctively. “When I was a little girl I had already heard all the records in my older sister’s collection. Until I was twelve I didn’t even know there was any music other then rock”, she smirks.
After finishing school she went to Austin, Texas to broaden her horizons. “I carried two bags”, she remembers. “One was stuffed with my clothes and the other with my notebook and music equipment. That one was twice the size of the first one.” After a few months travelling across United State, she focused on New York where SAINT LU worked on her new songs with musician friends.
Back from the States SAINT LU enrolled in a drama school but shortly before her finals she found that her heart belongs to music. “They wanted to kick me out in my freshman year anyway because of my “weird” voice.” So she put together a band and paid for a recording session in a studio. She sent that demo to quite a few producers – amongst whom was Echo Award winner Patrik Mayer who invited her to Berlin. After their first meeting she packed her bags and moved to the capital at once.
This was a little more than one year ago and by now SAINT LU and Mayer have completed her debut album. To stay as close to the 70’s rock sound as possible, guitar virtuoso Peter Weihe (Eric Clapton, Chaka Khan, Rio Reiser) was invited to play. No efforts were spared to make the most of SAINT LU’s remarkable songs: Marlon Browden (John Scofield, Vernon Reid, Norah Jones) played the drums, she visited Christian Lohr (Joss Stone) for keyboards in Munich where he has a storage room filled with vintage keyboards. For the finishing touches they went to the Abbey-Road-Studios in London to complete the arrangements, recording horns and strings conducted by Steve Sidwell (Seal, Pet Shop Boys, Robbie Williams).
“Finally everything is the way I wanted it to be”, says SAINT LU. “Every single note, each word – everything is exactly like I heard it in my head. I did not have to accept compromises.”
And how did this exceptional voice come about? “I grew up in a big house with no neighbors as far as the eye could see. If you had something to tell somebody you simply had to start yelling: “Luuuuuuuuuuuuuunchtiiiiiiiiiiiiiiiiiiime” or “Teeeeeeeleeeeeephooooooone!” There were whole conversations going on like this. I believe that shaped my voice”, laughs one of the most exciting singers of today:
SAINT LU.

They've been wowing festival and club audiences around the world non-stop for the last couple of years with their wild, powerful show, and now they are back with their strongest album so far. Balkan Beat Box – the three-headed, dancefloor-conquering powerhouse principally comprising Tamir Muskat, Ori Kaplan and Tomer Yosef – have been busy since the release of 2007’s devastating debut for Crammed « Nu-Med » (not forgetting last year’s fine remix collection « Nu-Made ») honing a sound that mixes musical gene pools more effectively than ever : they have arrived at « Blue Eyed Black Boy » - as loud, proud and politically-engaged a statement as you could hope for from this most 21st century of bands.
Recorded across a suitably diverse range of European locations – Ori’s adopted city of Vienna, Austria, the Serbian capital of Belgrade and the band’s mutual hometown Tel-Aviv in Israel were all bases covered on this album’s journey – « Blue Eyed Black Boy » finds BBB going that bit deeper, finding striking melodies, rock-solid song structure and an ever-sharper political awareness alongside their typically artful sonic collision of global musical styles and thundering danceloor beats.
First full track « Move It » is a trademark BBB block-rocker, with duelling brass blowing a minor-scale middle eastern wind across chunky tabla-assisted rhythms as MC Tomer spouts lyrical, cheekily referencing the band’s past glories (‘the digital monkeys on a move’) as well as dropping the immortal lines of roots-reggae legend Max Romeo, with an individualist twist (« we can show u how to send u to outer space/to fly on your own… »). Yet with the title track that follows we are shown a new, more measured side to BBB : the pace slows to a loping groove, guitars shimmer and Tomer delivers a thoughtful paean to struggles of the racial, social and political kind, seen through the ‘blue eyes’ of the ‘black boy’ in question.
In general the mood throughout « Blue Eyed Black Boy » remains buoyant and empowered, with « Marcha de la Vida », « Balkumbia » and incendiary closer « War Again » destined to be new live anthems, and the contagiously poppy hip hop bump of « Look Them Act » coming off like some classic Timbaland production given a Mediterranean coast makeover. This unique trio of musicians have successfully nailed the communal spirit and energy of their live shows down to tape, and the result is the brightest, most confident and adventurous model of BBB to date. All this, and they haven’t even hit the road yet…
 

Lange Zeit drehte sich Heavy Metal nur um die eine Frage: Wer ist hart, härter, am härtesten? Am Ende steigerte der Schwermetall seine Durchschlagskraft bis zum Exzess. Wie können wir das toppen?, dachte sich das schwedische Trio Hellsongs. „Inzwischen ist das Härteste und Mutigste im Metal, sanft zu spielen“, findet Kalle Karlson, Gitarrist der Wattebausch-Rocker Hellsongs aus Göteborg. Das Gegenteil von ohrenbetäubendem Heavy-Sperrfeuer ist gaaanz entspannte Lounge Music. Die Entdeckung der Langsamkeit im Metal offenbart viele Reize, lässig schweben die Songs ihrem Chorus entgegen, angenehmerweise eröffnet das dem Hörer die Möglichkeit, die oft anspruchsvollen Texte klar und deutlich zu verstehen.

Kalle Karlsson ist leidenschaftlicher Metal Fan, der in diversen Bands rockte. „Anfangs spielte ich Soft Metal, später wurde mein Stil immer härter und steigerte sich zum Extrem. Noch immer höre ich Kapellen wie Entombed, At The Gates und Sepultura.“ Die Idee, den Trend des Metal umzukehren, kam dem Saitenmann beim Hören der B-Seite einer Single von Billy Corgans Zwan. „Sie coverten „The Number Of The Beast“ meiner Lieblingsband Iron Maiden. Ihre Version war sehr lo-fi. Der Song ist einer meiner Favoriten, ich habe ihn tausende Male gehört. Mit sechzehn lernte ich seinen Gitarrenriff. Den Text hatte ich vorher nie verstanden, erst durch die Zwan-Version wurde mir sein Inhalt klar. Das machte den Titel sogar noch besser.“

Nach ihrem Albumdebüt „Hymns In The Key Of 666“ und der Nachfolge EP „Pieces of Heaven, a glimpse of Hell“, kommt nun im Jahre 2010 erneut ein noch unbetiteltes neues Album. Wie auch zu den anderen Veröffentlichungen, wird es auch zu dieser CD eine ausgiebige Tour geben. Live haben sie sich inzwischen eine immer weiter wachsende Anhängerschaft erspielt, was sicher auf die einmalige Atmosphäre bei ihren Shows zurückzuführen ist. Besonders Deutschland ist so etwas wie ihre zweite Heimat geworden.

For generations of great American songwriters, the music and the message have been inextricably linked. Word and deed are one in the same, and the only thing more moving than the rousing call to action is the evocative melody that transports the words like a shell casing. These are fire-breathing poets of justice who sing about ordinary people in extraordinary ways, and can turn the world inside out with three chords and the truth. These are the tenets by which STATE RADIO’s Chad Stokes Urmston, Chuck Fay, and Mike “Mad Dog” Najarian are driven, and they once again flex that strength and sense of purpose on their third album, LET IT GO. But this is no soapbox symposium.
“It’s the only way I know how to do it,” says singer/guitarist Stokes about the band’s impassioned social consciousness. “It’s the only way State Radio has done it. This has always been an organic, grassroots thing. It’s about trying to be true to what we do.”
Like Rage Against The Machine and System Of A Down before them, State Radio roll up their sleeves as they practice what they preach, whether it’s riding bikes to gigs to support Bikes Not Bombs, hosting food drives in conjunction with Rock For A Remedy, or playing shows to raise money for the Learning Center for the Deaf. How’s Your News?, a film project created by Stokes while working at a camp for adults with disabilities, where the campers are the reporters, was just a way for Stokes and company to flip the standard interview format on its head with a different viewpoint before it was picked up by Trey Parker and Matt Stone for a run on HBO and MTV.
Action is hardly a new concept for all the members of State Radio. Before the band, Mad Dog volunteered as mentor with Big Brothers Big Sisters, while Fay was and continues to be a powerful voice for Instant Runoff Voting and comprehensive election reform across the country. On tour, State Radio has joined with Amnesty International to expose the injustices and improprieties of the legal system by protesting the death penalty for Georgia’s Troy Davis. They’ve worked to minimize wildfire danger by removing invasive plants from areas in California, and have partnered with Oxfam America to organize home run derbies and 5K road races to raise money and awareness to help protect women against violence in Sudan. Most bands have touring schedules. State Radio have an Action Calendar.
During their sold out, 25-city tour this past February, the band performed service projects in every town they visited, from serving lunch at a homeless shelter in Houston to building a community garden at an inner city elementary school in Washington, D.C. Calling All Crows (callingallcrows.org), the group’s platform for social action started by Stokes and State Radio tour manager Sybil Gallagher, is committed to continuing the group’s socio-political dialogue once the music ends and the lights come up. In less than a year, State Radio and their fans have amassed over 1,800 hours of community service through projects that have local, national, and global impact.
“There are times when there’s a service project every morning at 9am—and we’d had a late night the night before—where it’s like, ‘Are we a service group that plays music, or are we a band that does service projects?’” Stokes laughs. “There’s a balance between the two things because they feed each other. I want to experience the stuff I’m writing about.”
That same mindset held true for Stokes’ previous band, the roots rock outfit Dispatch, who formed while Stokes was a student at Middlebury College in Vermont. Though the group disbanded in 2002, they’ve reunited three times, the most notable being a three-night, sold out run at Madison Square Garden in 2007 to raise funds and awareness for poverty-stricken Zimbabwe. It marked the first time in history an unsigned band had headlined the Garden, let alone sold it out.
“It was a progression,” says Stokes’ of the shift from Dispatch to State Radio, who formed in 2002. “I think had Dispatch stayed together, all these State Radio songs would have been Dispatch songs.”
State Radio’s first album, Us Against The Crown, introduced listeners to the band’s raw, pop-punk sound. Tracks like “Mr. Larkin” and “Black Cab Motorcade” had all the boundless energy of a vigorous protest, while “Right Me Up,” a personal account of a friend with a disability, showcased Stokes’ reggae harmonies.
Their second album, Year Of The Crow, was recorded in the UK and produced by Tchad Blake (Peter Gabriel, Pearl Jam, Soul Coughing). Featuring songs like “Sudan,” “Guantanamo,” and “Gang Of Thieves,” the album pushed the group’s socio-political motivations even further into the forefront. It also broadened their sonic palette with bigger guitars (“CIA”) and more diverse instrumentation (“The Story Of Benjamin Darling, Part 1”). But the bridge between both records has always been Stokes’ transcendental storytelling, which continues to mature and evolve on Let It Go.
The album kicks off with “Mansin Humanity,” a gripping song about the Armenian genocide, then slides into “Calling All Crows,” a one-drop groove that calls the band’s legion of fans to attention as Stokes beckons, “It’s gonna be a showdown, said the rebel to the revolutionary, come with me!” Elsewhere, State Radio invoke the spirit of the Clash on “Doctor Ron The Actor” and “Knights Of Bostonia,” a raise-yer-pints anthem to the band’s hometown. (After all, Stokes did meet Mad Dog while he was drumming on a bucket outside of the home of the Red Sox Fenway Park.) Another track, “Held Up By The Wires,” mixes classic Boston references and Civil War tales with nods to Jack London’s “The Road,” sailing pioneer Irving Johnson, and Stokes’ own time spent in Zimbabwe. The track has been in the band’s repertoire since the early days, but it wasn’t until now that it found it’s way onto an album, a fact Stokes attributes to the way in which Let It Go was recorded.
While touring Year Of The Crow, State Radio enlisted Tchad Blake’s assistant, Dom Monks, as their front-of-house engineer; a critical position for a band with such a large live audience. When it came time to seek out producers for Let It Go, Monks threw his hat in the ring. He also suggested that the band record the songs in the same manner as they were performed: live off the floor, with all the instruments buzzing and howling at once.
“He has a great ear and he’s worked with the best guy,” says Stokes of his producer and friend. “He knew all our songs and he did an amazing job.”
Two-thirds of the album were recorded at Q-Division in Boston, while the remaining parts were tracked at the famous Long View Farm Studio, the preferred practice space of the Rolling Stones before all their US tours, and a location that houses just as much livestock as it does vintage pre-amps. The rustic setting provided the perfect atmosphere with which to coalesce the band’s trademark live energy, while recording straight to tape with limited tracks allowed them to be more succinct with the musical message they wanted to convey.
“We’ll take the long way around, we gather on the wall on the wrong side of town. We’ll surprise them all,” sings Stokes on “Evolution.” After years of social action and political awareness—not to mention playing in front of thousands upon thousands of fans with very little support by the mainstream—the 33-year-old Stokes knows a thing or two about how to serve up lighting in a bottle. Sometimes quiet persistence is the best way. Like when he and 15 other peers spent 28 days walking a headstone 433 miles from Sherborn, Massachusetts to Arlington National Cemetery to honor unknown civilians killed in war. (Alas, they were stopped at the bridge and not allowed to enter.) But after you’ve done the backstroke in the Lincoln Memorial Reflecting Pool and shaken hands with the Prime Minister of Zimbabwe, what do you do next?
“I think the dream would be to jump freights to each city,” says Stokes of their upcoming tour to support Let It Go. “Going out to the Democratic National Convention last year, my brother and I jumped freights from Massachusetts to Denver, then from Denver to California, opening up for Rage in the middle there.”
And have someone drive the gear?
“Or just get back line everywhere we go,” Stokes smiles, “and hit the rails that night.”
 

Einen genialen Konzertabend erleben und auch noch Gutes tun! Interesse? Dann kommt am 7.5.2010 hier ins Hamburger Knust. Im Rahmen der „Be a Visionary! Viva Con Agua Rock Night“ pra?sentieren wir euch ein abwechslungsreiches Programm mit vier spitzen Bands aus Hamburg! Ein Euro pro Ticket (egal ob Vvk. Oder Ak.) werden direkt an Viva Con Agua gespendet, um gegen die Trinkwasserknappheit in armen La?ndern unserer Erde zu ka?mpfen!

Jamie Lidell ist ein Ausnahmekünstler. In den späten Neunzigern schloss er sich zunächst mit Cristian Vogel zum Experimentierduo Super Collider zusammen. Solo sorgte er mit selbstgesampelten Stimmfetzen, über die er Soulmelodien sang, bald für ausverkaufte Konzerte.
Zuletzt schrieb er den perfekten Frühjahrssoundtrack: Die Vintage-Nummer Another Day ist seit 2008 nicht mehr aus dem Radio wegzudenken. „Now let all the silence do the talking“ sang der gebürtige Brite in diesem betörenden Feelgood-Ohrwurm, „lass die Stille sprechen”.
Jetzt legt Lidell lautstark nach: Am 14. Mai erscheint sein viertes Album Compass, an dem so hochkarätige Kollegen wie Beck, Feist und Mitglieder von Wilco oder Grizzly Bear mitwirkten. Bereits eine Woche vorher präsentiert der Multiinstrumentalist und Vokalist seine neuen Stücke live in Köln (7.5.), Hamburg (8.5.) und Berlin (9.5.).
Lidell selbst fühlt sich von Prince und Otis Redding inspiriert und hat die Vielfalt zeitgemäßer Musik doch für sich vereinnahmt. Mit Multiply folgte 2005 der Wechsel zum legendären britischen Elektrolabel Warp und zu seinem großen Pop-Entwurf. Der Titelsong landete auf dem Soundtrack der amerikanischen TV-Serie Grey’s Anatomy.
Das zuletzt erschienene Jim bescherte Lidell den Independent Music Award für das „Beste Pop/Rock-Album“. Mit den Clubhelden Simian Mobile Disco nahm er den Track „Off The Map“ auf, mit Künstlern wie Gonzales oder Feist probierte er immer wieder neue Wege aus.
Auf Compass schlägt der „Indie-Soul Troubadour“, wie die Presse ihn nannte, scheinbar andere Töne an: „The only compass that I need,“ singt der heute 36-Jährige im erst spärlich instrumentieren, dann lospolternden Titeltrack, „is the one that leads me back to you“.
Aber keine Sorge: Lidell hat die Tanzbarkeit nicht gegen Melancholie eingetauscht. Er lotet schlichtweg die Grenzen zwischen Songwriter, TripHop, World Music und allem, was die letzten 50 Jahre Pop so hervorgebracht haben, neu aus. Und beweist: musikalisches Geschichtsbewusstsein und Innovation schließen sich nicht aus, sondern bedingen einander. Zumindest bei Ausnahmekünstlern wie Jamie Lidell.

Casper Clausen, Mads Brauer und Rasmus Stolberg wuchsen alle auf der kleinen dänischen Insel Als auf. Mit der unschuldigen Hoffnung professionelle Musiker zu werden, zogen die drei Freunde im Jahr 2000 nach Kopenhagen, wo sie auch ihren späteren Drummer Thomas Husmer trafen. Pianist Rune Molgaard stieß ebenfalls dazu und sie gründeten eine Band, nannten sie Efterklang und veröffentlichten im Frühling 2003 ihre erste EP. „Springer“ erschien auf dem bandeigenen Indie-Label Rumraket. 2004 nahmen sie ihr Debüt-Album auf. „Tripper“ wurde mit Streichern, einem Chor und diversen Gast-Sängern eingespielt und setzte in der skandinavischen Musikszene sogleich ein Ausrufezeichen. Auch außerhalb Dänemarks wurde man aufmerksam und das in England ansässige Label Leaf (A Hawk and a Hacksaw, Colleen, Murcof) nahm sie umgehend unter Vertrag. „Tripper“ wurde so in ganz Europa zum Erfolg. Die Kritiker feierten das opulente Werk und überschütteten es mit ganz viel Liebe. Für Leaf war es gar das erfolgreichste Album in der Labelgeschichte.
Ihr nächstes Album sollte sogar noch ambitionierter klingen. „Parades“ nahmen Efterklang in ihrem eigenen Studio auf – aber mit 30 (!) Gastmusikern. 18 Monate dauerte es, bis das Oeuvre schließlich fertig war. Danach ging es für Efterklang auf Tour. Mit einem achtköpfigen Line-Up spielten sie 130 Shows rund um den ganzen Erdball und machten sich so viele neue Freunde. Während dieser Zeit kam es auch zur Kollaboration mit dem dänischen Komponisten Karsten Fundal und dem Danish National Chamber Orchestra. Sie entwarfen zusammen eine orchestrale Interpretation von „Parades“, die im Oktober 2009 unter dem
Titel „Performing Parades“ als CD und DVD veröffentlicht wurde und nicht nur von skandinavischen Medien stürmisch gefeiert wurde. 2010 schlägt die Band ein neues Kapitel auf. „Magic Chair“ ist ihr drittes Album, aber das erste auf ihrem neuen Label 4AD. Zugleich ist es das erste richtige Bandalbum, da es mit einer festen Besetzung und einer klaren Zielsetzung eingespielt wurde: Der Weg ist das Ziel auf der Suche nach dem perfekten Pop-Song. Wo andere Bands wie die Beatles, Radiohead, Pink Floyd, Talk Talk und Soft Machine mit kurzen und prägnanten Pop-Songs

Alesana waren die erste Band, die 2005 einen Plattenvertrag bei Tragic Hero Records unterschrieben. Im Juni 2005 veröffentlichten sie dort ihre Debüt-EP Try This With Your Eyes Closed, die sich innerhalb des nächsten Jahres knapp 3.000 Mal verkauft. Das 2006 veröffentlichte Album On Frail Wings of Vanity and Wax enthält zahlreiche Referenzen an die griechische Mythologie und an das Mittelalter. Der Titel spielt auf die Saga von Ikarus an, dessen Wachsflügel schmolzen, als er zu nah an die Sonne kam. Nachdem sich das Album ähnlich gut wie die EP verkauft, wird Fearless Records auf die Band aufmerksam und nimmt sie Ende 2006 unter Vertrag.
Ihr zweites Album ist am 3. Juni 2008 erschienen. Es trägt den Namen Where Myth Fades To Legend. Es wurde von Steve Evetts (He Is Legend, A Static Lullaby, Still Remains) produziert und umfasst 13 Titel. In diesem Album liegt der Schwerpunkt der Texte auf zwischenmenschlichen Beziehungen. Die Tracks Goodbye, Goodnight, For Good, Red And Dying Evening und Endings Without Stories finden sich erneut auf einer Alesana-Platte wieder.
 

Kolkhorst:
Dieses Bild wiederholt sich etliche Male pro Jahr: ein junger Mann steigt mit seiner E-Gitarre und einem kleinen, handlichen Koffer früh morgens in einen Zug. Während der Großteil der Fahrgäste gähnend ihrem täglich gleichen Weg und Tagesablauf entgegenblicken, geht die Reise für Kolkhorst jedes Mal an einen neuen, unbekannten Ort. Mit der Bahn bewegt er sich auf seinen Touren durch Deutschland, die Schweiz und Österreich von Stadt zu Stadt, von Indieclub zu Indieclub. Aus dem handlichen Koffer wird ein alter Yamaha RY-30 Drumcomputer auf die Bühne gezaubert, die Gitarre wird direkt vom Verzerrer in das Mischpult gestöpselt und ein robustes Gesangsmikrophon in der Mitte der Bühne aufgestellt. Das ist alles, was Kolkhorst benötigt, um Abend für Abend sein One-Man-Rockspektakel abzufeuern.
Vier bis fünf Tage später steigt er dann am Ausgangs-Bahnhof wieder aus. Dazwischen liegen Konzerte, die den Besuchern unvergessen bleiben. Denn auch ohne Band im Rücken bleibt das Publikum mehrere Stunden lang von dieser Show gefesselt… sie bleiben alle… und viele von ihnen nehmen lange Wege auf sich, um seine Shows nicht zu verpassen.

Auf ziemlich genau hundert Konzerten (seit der Veröffentlichung des Vorgängeralbums) wurden die Songs von 'Wir bleiben alle' anhand von Publikums- und Eigenversuchen immer wieder verändert und immer weiter ausgefeilt. Die Songs erzählen das niemals gleiche Lied eines ungeregelten und ungewissen Lebenslaufs, der den Künstler ruhelos zwischen Tirol und Kiel, Aachen und Cottbus hin- und hertreibt. Aber immer beschränkt sich die Musik auf diese drei Zutaten: Drumcomputer, Gitarre und Gesang. Etwas abseits der normalen Hörgewohnheiten und der allgemeinen Erwartungshaltung an einen Popsong.
Mit derart gereiften Songs ging es dann in das Studio eines Sinnesverwandten: Folke Jensen, der in den 80er Jahren mit dem 'Ledernacken'-Trashhit 'Amok' in den USA Erfolge feiern konnte. Sein Studio liegt inmitten der skurrilen 70er-Jahre-Bürobauten der Hamburger „City Nord“. Ein fremd wirkendes Detail inmitten einer unwirklich funktionalen Welt. Genau der richtige Ort, um aus elf Liedern ein neues Kolkhorst-Album entstehen zu lassen, das der Künstler dann wieder auf seine langen Konzertreisen mitnehmen kann.

TARANTULA KRISE
Was der Brian nicht so richtig nachvollziehen kann ist, dass das Wort „Wochenendbeziehung“ für seine Bandkollegen nichts mit der Beziehung zu einer Geliebten, welche in einer fernen Stadt lebt, zu tun hat.
In Wahrheit ist die Geliebte ein Geliebter, nämlich der FC St. Pauli von 1910 und er wohnt auch nicht in Berlin, München oder Köln sondern gleich hier, vor unserer Haustüre.
So ist es eigentlich die Beziehung zu einem Verein, dem man ständig begegnet, den man lebt und liebt, beim Einkaufen, beim Spazieren, beim Bier in der Kneipe, auf dem Weg zum Probebunker.
Diese Beziehung hat ihre Höhepunkte an den Heimspieltagen des FC St. Pauli. Wir wünschen unserer großen Liebe alles Gute zum 100sten Geburtstag.

Durchs Viertel hier zu laufen, ein Bier am Kiosk kaufen.
All die Sticker auf den Schildern und die Wände voller Bilder.
Das ist Liebe und die lässt sich von niemandem verbieten.
Das ist Liebe und die lässt sich von niemandem verbannen.

Eine Woche ohne Dich ist für mich mehr als unglücklich.
Und wenn dann wieder Freitag ist, weiß ich, warum du mein Leben bist.
Das ist Liebe und die lässt sich von niemandem verbieten.
Das ist Liebe und die lässt sich von niemandem verbannen.

Oh, St. Pauli, für immer mit Dir!

Diffidati con noi! Die Verbannten mit uns!
Jeder, der hier mit uns abgeht, ist Verwandter für uns.
Diffidati con noi! Die Verbannten mit uns!
Jeder, der hier mit uns abgeht, ist Verwandter für uns.

Oh, St. Pauli, für immer mit Dir!

Der K-Mob und der FC St. Pauli
Bittere Tränen haben damals die von uns geweint, die 2005 ihre Dauerkarten nicht erneuern konnten – weil die Band mal wieder los musste, um das Wochenende in ranzigen JUZis zu verbringen. Aber machen wir euch nichts vor: was die Vereinsliebe angeht, zieht der K-Mob nicht unbedingt an einem Strang. Da gab’s schon böses Blut! Das ist natürlich alles vergessen, wenn es irgendwo auf Tour gilt, auf dem Fußballfeld erlittene Schmähungen für Braun-Weiß zu verteidigen, zu leugnen oder schön zu reden.

Gemeinsam sehr gelacht haben wir 2007 über unsere eigene Wahnsinnsidee, den Hans-Albers- Schlager „Das Herz von St. Pauli“ (1957) in einer zeitgemäßen Schredder-Reggae-Version neu aufzulegen. Selbstverständlich sind die Gerüchte wahr: Bei den Sängerinnen handelt es sich um die 1. Damen des FC St. Pauli, die so freundlich waren, uns mit unserem High-End-Recording-Equipment eine Aufnahmesession in ihrem Umkleideraum zu gewähren. Stichwort: Kassettenrekorder. Ort der Aufnahme: Die Katakomben des inzwischen abgerissenen Clubheims – ein historisches Tondokument !

NO EXIT
Ha, da glauben doch Firmen/Label ” Punkbands” auf den Markt schmeißen zu mu?ssen, die z.B. aus der Wiege der Bravo entwachsen sind und Einheitsbrei/euroma?ßig immer dieselbe Scheiße fabrizieren. Die werden dann bei VIVA & MTV auf Rotation geworfen, in der Hoffnung daß alle Nichtbravoleser oder ”punkinteressierten Konsumenten” mit Mutters Geld inne Taschen den Quatsch auch noch konsumieren.
Und jetzt paßt mal auf, No Exit singen deutsch, obwohl der Name doch so englisch klingt. Fu?nf Leute
Rio - Mikroskop / Lars - Drums / Christian - Gitarre / Su?ni – Bass / Danny – Gitarre
qua?len ihre Sklaven ( sprich Instrumente ) um Euch die Langeweile zu vertreiben
unterstu?tzt vom Hagen – Technik & Billy – Booking/drum herum die, die Sache abrunden.
Zu ho?ren bekommen wir jugendgema?ße Tanzmusik mit flotten Rhythmen ( manche nennen es auch Punkrock ), ohne stupide lustig trallalla Texte, sondern ehrlich und (aaaah!) auch wat zum Nachdenken dabei. Denn eigentlich wollen wir ja nur, daß mo?glichst viele Leute u?ber die Musik nachdenken oder auch
nur mordsma?ßig Spaß haben. Bboah, daß klingt verdammt nach Presseinfoschleim, kann man aber aus unserem Munde schon mal ernst nehmen. Und den Spaß werdet Ihr bei den Gigs auf jeden Fall nicht vermissen, daß mit dem Denken ha?ngt dann wohl eher vom Alkoholspiegel ab.
Getourt wurde ausgiebig, anfangs gro?ßtenteils im Osten. Mitlerweile sind No Exit auch in der gesamten Republik sowie im anliegenden Ausland gern gesehene Ga?ste, nicht zuletzt durch ihre spritzig, schwungvollen & belebenden Live Auftritte. Die Fru?chte unseres tun’s schlagen sich bis heute mit u?ber 400 Konzerten, seit ”Amtsantritt” am 12.Mai 1991, wieder. Auf dem Programm stand vom Kellerclub (z.B. Schlauch - Pforzheim) mit 30 Besuchern bis zur mit 800 Leuten gefu?llten Halle (z.B. SO 36 - Berlin) sowie diversen Open Air Auftritten (z.B. Force Attack Rostock) alles was jeder Musiker schon einmal durchgemacht haben sollte. Nicht zu vergessen unsere an beiden Tagen ausverkaufte 10 Jahresparty (550 Leute pro Abend) im H.O.F. 23 in Berlin Weißensee.
 

Europa feiert mit dem FC St. Pauli: Fangruppen aus ganz Europa vereint gegen Rassismus zum Jubiläumswochenende in Hamburg

Pünktlich zum 100-jähigen Jubiläum des FC Sankt Pauli findet dieses Jahr vom 14.-16. Mai 2010 das 6. Antirassistische Einladungsturnier statt, das AntiRa Sankt Pauli.
Zum Turnier, organisiert vom Fanladen St.Pauli (Fanprojekt des FC St.Pauli), Ultra Sankt Pauli, der Frauen- und Mädchenfussballabteilung des FC St. Pauli und verschiedenen weiteren Fangruppen des FC St.
Pauli, werden auch dieses Jahr wieder Fangruppen aus mehr als 20 Ländern auf dem Trainingsgelände des FC St.Pauli zusammenkommen, darunter Teams aus England, Italien und Spanien, aber auch aus Israel, Kroatien, Ukraine und Weißrussland oder auch aus Zypern.

Die teilnehmenden Fangruppen, die sich allesamt aktiv gegen Diskriminierung, teilweise unter schwersten Bedingungen, in ihren Vereinen im jeweiligen Heimatland einsetzen, werden über 3 Tage gemeinsam ein Spaß-Fußballturnier (mit eigenem Frauenturnier) austragen, das von zahlreichen Rahmenprogrammveranstaltungen begleitet
wird: eine alternative Stadtrundfahrt, Zeitzeugengespräche, Workshops zu Themen wie Homophobie und Sexismus im Fußball oder Vorträge zum Wiederstand gegen Rechtsextremismus und Faschismus in Russland.

Höhepunkte des Wochenendes sind das öffentliche Konzert mit verschiedenen Bands im Knust am Samstagabend, sowie der Besuch des Jubiläumsspiels FC St.Pauli gegen FC United of Manchester am Millerntor mit den mehr als 800 TeilnehmerInnen, inklusive einem Halbzeitspiel zwischen einer internationalen Auswahl aus weiblichen und männlichen TurnierteilnehmerInnen des AntiRa Sankt Pauli 2010.
 

Die Veranstaltungsreihe „sarahjaminn in the mix“ geht in in die nächste Runde. Am 16. Mai, lädt die Hamburger Sängerin und Songwriterin Sarah Jane McMinn (Backgroundsängerin bei Ina Müller) mit ihrer Band „sarahjaminn“ bekannte Künstler und Newcomer aus der Hamburger Musikszene ins Knust ein. Das Ergebnis: Eine Session vom Feinsten mit Gast-Sängern, Instrumentalisten, Djs und natürlich sarahjaminn.
„In the mix“ begann vor zwei Jahren in einem kleinen Kiezclub. Bei der Konzertreihe hat unter anderem schon der amerikanische Bassist und Soulsänger Reggie Worthy mitgewirkt. Er hat vorher nicht nur mit Weltstars wie Tina Turner und Justin Timberlake, sondern auch mit der regionalen Künstlern Inga Rumpf zusammengearbeitet. Auch die Hamburger Band „Montag“ war schon bei sarahjaminn zu Gast. Im Mai feiert das Event seine Knust-Premiere.

Den Anfang macht dort die Band „Director's Cut“, die in der Hamburger Fabrik bereits als Vorgruppe von „Dellé“ (Seeed) gespielt hat. Dazu werden ein Bläser Quartett der Hochschule Hamburg zusammen mit dem DJ Knopfdruck, bekannt aus der Hamburger Hip Hop-Kombo "Flow Im Ohr" für gute Stimmung sorgen. Auch Popkurs-Absolventin MONA, sowie Martin Kilger, ehemaliger Keyboarder von Nina Hagen und den Söhne Mannheims, gehören zum Set. Man darf sich auch auf den ein oder anderen ?berraschungsgast freuen.

„Sarahjaminn in the mix“ wird dieses Jahr auch im August und November im Knust stattfinden. Die Performance hat eine gro?e Prise Soul und dauert etwa zwei Stunden. Doch die Kollaborationen beschränken sich keineswegs auf eine Stilrichtung, vielmehr erweitern sie sogar den musikalischen Horizont des Zuschauers und hat dadurch einen besonderen Unterhaltungswert.

Über sarahjaminn:
SIND? Sieben Musiker, sieben musikalische Ursprünge - alles für eine Krone!
KLINGT WIE? High Energy Soul: Musik zum Tanzen, Musik die berührt! Der unverwechselbare Sound der ausschlie?lich selbst geschrieben Musik entsteht durch Sarah Janes ausdrucksstarke Stimme, das massive Fundament geschmackvoller Grooves und den dreistimmigen Chor. Die gebürtige Engländerin Sarah Jane ist auf der Bühne, sowie in der Song-Schmiede die Frontfrau.
KENNT MAN WOHER? Die Band spielte bereits in vielen bekannten Hamburger Locations (Fabrik, Logo, Markthalle, Alstervergnügen, Hafengeburtstag etc.)
LIVE? Ein Erlebnis!
 

Ab 22.30 Uhr - 45. Min - Mythos FC St. Pauli -
Die Dokumentation zum 100-jährigen Vereinsjubiläum

Itchy Poopzkid kommen... ...aus Eislingen an der Fils, einem kleinen Kaff zwischen Stuttgart & Ulm
Itchy Poopzkid in Zahlen... 0 Besetzungswechsel in 7 Jahren Bandhistorie 14 verschiedene Probera?ume wurden bislang bezogen 68 war der Chart-Entry des Albums Time To Ignite 504 Shows wurden bereits gespielt 23 000 verkaufte Alben 1.346.899 Besucher hatte die Bandpage www.itchypoopzkid.com bis Oktober 2008
Itchy Poopzkid im TV - MTV-Powerplay-Rotation aller drei Singles des Time To Ignite-Albums - eigene TV Show “MTV Band Trip Madsen vs. Itchy Poopzkid” - nominiert für den MTV European Music Award 2006 in der Kategorie “New Sounds of Europe” - Auftritt im WDR Rockpalast

Das Kunstblut spritzt, die Kettensägen heulen und im Sekundentakt fliegen die Fäuste: Der Rock’n’Roll Wrestling Bash ist definitiv nichts für zarte Gemüter!
Hinter dem scheinbar schnöden Hau-Drauf-Spektakel verbirgt sich eine perfekte Mischung aus Lucha Libre, Surf Metal und einer ordentlichen Portion Trash. Anders als bei gewöhnlichen Schaukämpfen wird beim Rock’n’Roll Wrestling Bash den Fightern mit Livemusik eingeheizt. Ihre Choreographie ist dabei minutiös auf die Gitarrenriffs der Metal-Band abgestimmt. Das Resultat: Entertainment XXL mit echtem Gruselfaktor.

Photo von Dirk "The Pixeleye" Behlau

Kashmir haben sich fünf Jahre Zeit gelassen, eine neue Platte zu produzieren. Im März soll „Trespassers“ erscheinen, und wenn man von der Vorabsingle „Mouthful Of Wasps“ ausgehen darf, haben die Dänen wieder ein sehr, sehr gutes Album gemacht. Die Klangfülle des Quartetts, die musikalischen Einfälle, die Verspieltheit, die Freude aus ausufernden Soundcollagen, die präzise produktionstechnische Arbeit – aufgenommen wurde übrigens in Hendrix’ Electric Ladyland Studios in New York – und natürlich die eindringliche Stimme von Sänger Kasper Eistrup sind weiterhin die hervorstechenden Merkmale der Musik von Kashmir. Aber auch alles, was dazugehört, ist genau geplant, ihr Artwork, die Website, die verstörenden animierten Videos machen Kashmir zu einem Kunstwerk, das sich langsam von den Musikern löst. Aber so zurückgelehnt und unabhängig die Jungs auf ihren Platten auch daherkommen: Wenn sie auf der Bühne stehen, ändert sich alles. Dann wird aus dem melodiösen Indie-Rock ein gradgehobeltes Brett, aus der Kunst eine Kraft, aus der Präzision im Sound eine Präzision des Rhythmus (ohne den Sound zu vergessen). Das Publikum bekommt die dritte, vierte und fünfte Seite der Band zu sehen. Die alte Band mit neuen Augen betrachten und die alte Musik mit anderen Ohren hören, das ist Kashmir live.VVK: 19,- zzgl Gebühren

Immer große Arenen und alte Hits kann auch irgendwann - trotz allen Erfolges - anstrengend sein: Lostboy aka Jim Kerr ist deshalb nichts anderes als die musikalische Wiedergeburt des Simple Minds Frontmannes. Nach der äußerst erfolgreichen letzten großen Tour zog es Kerr zusammen mit dem Produzenten der beiden aktuellsten Simple Minds Platten, Jez Coad, ins Studio, um neue Songs zu schreiben. Während dieses Prozesses kam Kerr völlig überraschend zu der Erkenntnis, dass diese neuen Songs, dieser neue Sound, ihm wieder Zugang zu der Energie, Aufgeregtheit und Begeisterung, die er als junger Mann beim Musikmachen empfand, quasi dem verlorenen Jungen, zurückbrachten. Daher war der Name schnell gefunden. Der wiedergefundene Junge in Jim Kerr lud sich sogleich erstklassige Musiker wie Charlie Jones (Goldfrapp, Robert Plant) und Simple Minds Drummer Mel Gaynor ein, um die juvenile Energie möglichst umgehend festzuhalten. Herausgekommen sind spannende neue Songs, die sich für Kerr wie "Signale aus der Zukunft" anfühlen und die er kaum erwarten kann, live zu präsentieren. Ach ja: Simple Minds Fans müssen sich nun aber keine Sorgen um ihre Lieblingsband machen: Jim Kerr hat ausdrücklich betont, dass er sich gut vorstellen kann, dieses neugewonnene Gefühl noch viel weiter - selbstverständlich in Koexistenz zu den Simple Minds - fortzuführen.

Die 1. Single „Raus“ vom aktuellen Longplayer „Treibstoff“ hielt sich wochenlang hartnäckig in den deutschen Airplay Charts. Im Rahmen der Tour 2009 war DFBö u.a. mehrmals Support für The Boss Hoss.
Derzeit arbeitet die Band an dem Soundtrack ihres just fertig produzierten Musik-Roadmovies „Der Fall Böse – Down Under“. Die 6-wöchige Tour wurde von einem deutschen Kamerateam begleitet und somit jede Minute und jeder der über 8000 Kilometer durch Australien in einem viel zu kleinen Bus digital festgehalten. Film und Soundtrack erscheinen voraussichtlich im Sommer 2010
Die 7-köpfige Band aus Hamburg-St.Pauli bewegt sich musikalisch zwischen Rock'n Roll, Blues-Punk, Funk und Crossover mit deutschsprachigen Texten.
Nach 5 veröffenlichten Studioalben und ca 400 Liveauftritten Hinterlassen die Jungs stets deutliche Spuren und ein begeistertes Publikum nach ihren energetischen Live-Shows, ob in Deutschland Europa oder Australien. Eine Südamerika-Tour im November 2010 ist derzeit in Planung.
Wer ist Böse?
Burns – Worte Faust – Schlagzeug Lesley Farfisa – Worte, Tasten, Gitarre örbi – Gitarre Svendrix – Bass Joe Haynes – Saxophon, Worte Jorge Don Aldo – Saxophon, Worte
Das aktuelle Album
Wo früher noch Horden von Gastmusikern mit eigenartigen Instrumenten im Aufenthaltsraum des „off ya tree-Studios“ anzutreffen waren, hörte man diesmal hauptsächlich laute Gitarren-Riffs und wütende Hooklines durch die Boxen dröhnen.
„Treibstoff“ ist eindeutig aggressiver und weniger verspielt als seine Vorgänger. Es wird gerappt, gesungen, geschrien. Die Titel sind kürzer und auf den Punkt. Eher Rock als Funk, eher Led Zeppelin als James Brown.
Einiges ist passiert in den letzten 3 Jahren seit der Veröffentlichung des Vorgängers „Hochverrat“, der nicht nur in der Regionalen Presse auf vielseitiges Interesse stiess.
Die TV+Kino Spots einer Flensburger Brauerei, sowie die Verwertung einiger Titel im Hamburger Szene-Kinofilm „Süperseks“ (Peter Lohmeyer u.a), waren erst der Anfang. Darauf folgten zahlreiche Compilations, Radioeinsätze und Auftritte in Clubs und auf Festivals der Republik.
Die Wege führten auf Einladung u.a. nach Paris zu ARTE France für einen Auftritt in der Sendung „La Nuit“ und sogar bis ans andere Ende der Welt nach Australien.

BÖSE DOWN UNDER
St. Pauli - Katoomba
Ein FILM – Ein SOUNDTRACK

Auf dem miesesten Konzert einer verkorksten Tour im ostfriesischen Hinterland beschliessen die Jungs der Hamburger Band DER FALL BÖSE, es in Zukunft besser zu machen und setzen sich ein grosses Ziel: „Die nächste Tour machen wir durch Australien! Prost!“ Einige Zeit später ist es tatsächlich soweit - von einem Zweimann-Filmteam begleitet, fliegen sie los ins Abenteuer. Hamburg – Sydney, 6 Wochen Australien, Hochsommer und 12 Konzerte. Goldene Zeiten!

Doch schon am Anfang der Tour wird schnell klar - die Reise ist kein Erholungsurlaub. Die erdrückende Nähe auf einer zermürbenden Tourstrecke von 8000 Km in einem völlig überladenen „drecksvan“, sowie die Tatsache, dass sich die sieben Mitglieder der Band zwar seit Jahren kennen, aber nie mehr als vier Tage am Stück zusammen verbracht haben und ein Filmteam, das pausenlos alles filmt, bieten genug Zündstoff, um die Stimmung zu kippen.
Als dann noch das Geld ausgeht und Zweitsänger Lesley versucht, die Nummer eins auf der Bühne zu spielen und Regisseur Roman Schaible permanent seinen Unmut über die „öde“ Band bekundet, eskaliert die Situation. Schaible gerät mehr und mehr in den Mittelpunkt seines eigenen Dokumentarfilmes und sprengt somit die Grenze eines Genres. Plötzlich sieht er sich selbst inmitten der Auseinandersetzungen.
Erstaunlicherweise spielen „der Fall Böse“ zu dieser Zeit ihre besten Konzerte und hinterlassen fast immer ein Publikum, das die Band in Ihr Herz geschlossen hat, obwohl es kein Wort der deutschen Texte versteht. Auf der Bühne läuft alles rund, aber hinter den Kulissen brodelt es gewaltig.

Was macht eine Band in so einer Situation? Finden die Jungs über ihre Musik wieder zueinander und ziehen die Tour durch? Oder kommen sie alle einzelnd zurück? Wer wird im Outback zurück gelassen und warum haben die Hippies aus Waytaliba zur Ankunft der Band rosa Bändchen in die Bäume gehängt und warum wohnen da 82 Männer abseits jeglicher Zivilisation???

Neun Jungs aus Hamburg, die auszogen, um ein unvergessliches Bandabenteuer in einem geilen, rauhen Land zu erleben – und doch ein ganz anderes Abenteuer fanden. Kameramann Timo Schwarz hat die krassen Erlebnisse schonungslos aufgezeichnet, Roman Schaible hat daraus einen Film gemacht, der auf seine Weise einzigartig ist. Die zwangsläufig unkonventionelle Vorgehensweise bei einem solchen Filmprojekt, Schaibles Befangenheit und Subjektivität und eine verdammt coole Band, die auf eine echte Zerreissprobe gestellt wird, machen diesen Film zu einem echten Erlebnis, der seinesgleichen sucht!
 

The modern-day Celtic bards known as The Real McKenzies hail from Vancouver, BC and are a punk band deeply rooted in their Scottish heritage with a sound best described as the Sex Pistols meet Scottish folk legend Robbie Burns. The Scottish term Ceilidh (pronounced kee-lee), is the main reason why The Real McKenzies formed and their chief inspiration. Ceilidh, according to The McKenzies, is a Gaelic word meaning “A wicked party which carries on for days”. Founded by frontman Paul McKenzie in 1994, he cites his family as another motivating factor, “As a lad, my parents and grandparents would dress me up in a kilt and make me sing and dance to traditional Scottish music. Starting a Scottish punk band is my way of getting revenge!” You’re probably wondering how it is that group of Canadians can rightly rollick and roam the countryside in the name of Scotland. Paul McKenzie offers an explanation, “A great many Scots immigrated to Canada. Ya see, the Scottish went north and the Irish went south...as they often do.”

The Real McKenzies are true gadabouts at heart. Fueled by an insatiable appetite for filthy punk shows, Scotch whiskey, and all out mayhem, these kilt-clad punks continue on their quest to bring their patented brand of music to the masses. Their latest concoction, Off the Leash, embodies the spirit of The Real McKenzies through a melding of driving punk rhythms and traditional Scottish melodies. Guitars and bagpipes play off each other as Paul McKenzie spins yarns of times long past and recounts endless drunken revelries. The unbridled energy and merriment of Off the Leash will immediately have the listener hoisting a pint glass and singing along to the 13 infectious tracks. As always, The Real McKenzies will be hitting the road hard, bringing the album to life in an inebriated whirlwind of kilts, bagpipes and punk rock.

The Real McKenzies previously released 10,000 Shots, at San Francisco’s esteemed Motor Studios with Fat Mike behind the knobs. 10,000 Shots was their first album for Fat Wreck Chords and it follows up two full lengths on Honest Don’s: Loch’d & Loaded and Oot & Aboot.

Unfortunately Little Joe has other obligations this summer, so Karl Alvarez (The Descendents) will fill in for him.....which is not the end of the world!!!
 

Wenn man den Werdegang von Gregor Meyle auf einen Satz reduzieren würde, ist das berühmte Zitat von John Lennon wohl am treffendsten: „Leben ist das was Dir passiert, während Du eifrig dabei bist, andere Pläne zu machen.“ Es waren viele Pläne, die der heute 32jährige damals im Kopf hatte. Musik war dabei auch ein zentrales Thema aber dass sie heute sein Leben bestimmen würde, hätte er sich auch mit noch soviel Phantasie nicht erträumen lassen. Man könnte sagen, er hatte Glück, man könnte auch sagen dass sich das Talent einen Weg gebahnt hat, aber unterm Strich bleibt, dass es wohl seine unkomplizierte und humorvolle Art ist, die ihm entscheidend geholfen hat.
Rückblende. Am 13.10.1978 wird Gregor Meyle in Backnang bei Stuttgart geboren und wächst in einer geradezu Bill Cosby ähnlichen Familiensituation auf. Mit vier hält er seine erste Gitarre in den Händen, um mit fünf bereits vor Hunderten von Leuten in Montreux zu spielen. Es folgen professioneller Gitarrenunterricht, die Sparschweinschlachtung für die erste E-Gitarre und im Alter von 12 erste Auftritte mit der Band „Young Guns“, die Songs von Guns’n’Roses coverte. Als seine Eltern sich trennen, damals war er 14, wird Musik zum Ventil und er beschließt auf ein Musikinternat zu gehen. Nebenher jobbt er in einem Gitarrenladen, gibt Unterricht und bastelt an eigenen Songs. Mit 18 wird er Tontechniker und das ziemlich erfolgreich. Zunächst in der Volksmusikbranche, später auch für Künstler wie Jose?
Carreras, Sasha oder Sarah Connor.
2006 arbeitet er für die Südafrikanische Regierung während der WM in Deutschland und er bekommt das Angebot, für Schulungen im Hinblick auf 2010 ans Kap zu gehen. Es brauchte nur 4 Wochen Aufenthalt unter afrikanischer Sonne und schon hatte sich Gregor in das Land verliebt und war bereit, seine Koffer zu packen, doch erstens kommt es anders und zweitens als man denkt. Sein kleiner Bruder Felix hatte ihn bei Stefan Raab’s SSDSDWEMUGABRTLAD angemeldet und nach einem ersten Vorspielen war klar, dass er dabei sein würde. Er entschied sich zu bleiben und das Wagnis einzugehen, jedoch wollte er es mit seinen eigenen Songs schaffen. Während seine Wettbewerbskollegen mit Welthits antraten, schaffte er mit sechs selbst geschriebenen Songs den Sprung ins Finale.

D=OUT ist eine junge viel versprechende Band, die schon kurz nach der Bandgründung Ende 2006 bewiesen hat, dass sie ein absoluter Top-Seller ist. So waren ihre Erstveröffentlichungen in kürzester Zeit ausverkauft und auch die fünf Bandmitglieder erfreuen sich wachsender Beliebtheit bei den Fans in Japan und Europa. Mit dem bereits hierzulande veröffentlichten Album „ZIPANG“ und einer erfolgreichen Europa-Tour im Mai 2009 haben die Jungs schon einmal eindrucksvoll ihre „Europa-Tauglichkeit“ bewiesen und sind bereits startklar für die nächste Runde!

D=OUT - die „patriotischen Entertainer“ aus Japan begeistern mit ihrem einmaligen Flair Fans in der ganzen Welt!

Line-Up:
Gesang: Kouki
Gitarre: Ibuki
Gitarre: Hikaru
Bass: Reika
Schlagzeug: Minase

DAS ALBUM: Nach über einem Jahr veröffentlichen die Nippon-Rocker von D=OUT Ende April endlich ihr nächstes Album! „Carnival Ukiyo“ enthält – wie der Titel bereits erahnen lässt - eine bunte und verrückte Parade von 12 neuen Songs, darüber hinaus finden sich auf der Euro Special Edition ein Extra-Track (SAKURA Refrain) und eine DVD mit einem brand neuen Video-Clip & exklusiven LIVE-Clip! Auch auf der neuen Scheibe sind es vor allem Sänger Koukis einzigartige Stimme sowie D=OUT’s grandiose Gitarren- & Bass-Sounds, die sofort zum abrocken verleiten! Mit „Carnival Ukiyo“ holt sich der Hörer also nicht nur eine gehörige Portion Exotik aus dem Land der aufgehenden Sonnen ins Haus sondern auch satte Rockmusik der Spitzenklasse.
 

Sie haben sich nach einer Romanfigur von Charles Baudelaire benannt und erzählen in ihren Songs kauzige Geschichten über Howard Hughes, Pellegrino Ernetti oder Harold T. Wilkins. Sie haben eigenartige Instrumentierungen (in diesem Fall eine einzelne Trompete, die über dem Refrain jubiliert), die u.a. eine Säge, Klarinetten, Celli, Mandolinen und jede Menge weitere Außergewöhnlichkeiten umfassen. FANFARLO heißt die in London beheimatete Band, die vom Schweden Simon Balthazar im Jahr 2006 gegründet wurde, und nun ihr Major-Debüt Reservoir unter die Leute bringt. Der erste Vorbote ist The Walls Are Coming Down, ein Song, der den unwiderstehlichen Charme der Indie-Truppe fast körperlich fühlbar macht.
 
FANFARLO nahmen ihr Reservoir im November 2008 mit Produzent Peter Katis auf, der bereits Bands wie Interpol, Tokyo Police Club und Guster unter seinen Fittichen hatte. Zur Besetzung gehören weiterhin Cathy Lucas (Violine, Keyboard, Vocals), Justin Finch (Bass), Amos Memon (Drums) und Leon Beckenham (Trompete, Keyboard), die allein schon durch ihre multiinstrumentale Vielseitigkeit einen ungewöhnlichen Sound versprechen. Und Simon Balthasar, der eigentlich aus Göteborg stammt, ist durchaus ein Garant für cleveres Songwriting, auch wenn er selbst der Meinung ist, seine Ziele regelmäßig zu verfehlen: „Ich versuche immer wieder, leicht verständliche Texte zu schreiben, aber es wird irgendwann immer kompliziert. Und dann versuche ich, tiefe, komplizierte Musik dazu zu schreiben, aber irgendwie kommt dann immer beschwingter Pop heraus.“
 
Nun, mit Reservoir und Peter Katis an seiner Seite, ist es Balthazar zumindest gelungen, ein rundum stimmiges Album auf die Beine zu stellen, das viele Freunde finden wird: „Ich dachte an diese Band immer als an etwas Großes. Eine Band, die jeder mögen kann. Und das ist angesichts der Reaktionen, die wir live bekommen, sogar eine realistische Einschätzung gewesen. Und jetzt, wo das Album fertig ist, ist es eine riesige Erleichterung, sagen zu können: „Ja, genau so sollte es auch klingen.“
Man sollte sich das mal anhören, und wer zum Beispiel den friedlichen Pop eines Stephin Merrit mit seinen Magnetic Fields mag, der wird FANFARLO mit Sicherheit in sein Herz schließen.